.
par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Barnett Newman (1905-1970) a toujours été à part dans le groupe
Des Expressionnistes Abstraits américains.Barnett Newman insistait
sur le fait qu'il faut voir ses œuvres de près, afin que le visiteur
Soit enveloppé dans un univers de couleurs denses. Le gigantisme et
La facture apparemment impersonnelle de ses toiles donnent parfois
Au spectateur la sensation de se noyer dans la couleur pure.
Le peintre affirmait : "J'espère que ma peinture peut donner aux autres, comme
Elle m'a donné à moi, la sensation de sa propre totalité, de sa propre
Indépendance, de sa propre individualité".
L'art de Newman est total, sans compromis, entièrement tourné vers l'abstraction.
De grandes toiles, parfois immenses, recouvertes de couleurs pures
Que viennent rythmer des bandes verticales, ses fameux "zips" .
Pourtant l'artiste n'était pas de cet avis : "On dit que j'ai mené la peinture
Abstraite vers ses limites, alors qu'il est évident pour moi
Que je n'ai fait qu'un nouveau commencement".
Des Expressionnistes Abstraits américains.Barnett Newman insistait
sur le fait qu'il faut voir ses œuvres de près, afin que le visiteur
Soit enveloppé dans un univers de couleurs denses. Le gigantisme et
La facture apparemment impersonnelle de ses toiles donnent parfois
Au spectateur la sensation de se noyer dans la couleur pure.
Le peintre affirmait : "J'espère que ma peinture peut donner aux autres, comme
Elle m'a donné à moi, la sensation de sa propre totalité, de sa propre
Indépendance, de sa propre individualité".
L'art de Newman est total, sans compromis, entièrement tourné vers l'abstraction.
De grandes toiles, parfois immenses, recouvertes de couleurs pures
Que viennent rythmer des bandes verticales, ses fameux "zips" .
Pourtant l'artiste n'était pas de cet avis : "On dit que j'ai mené la peinture
Abstraite vers ses limites, alors qu'il est évident pour moi
Que je n'ai fait qu'un nouveau commencement".
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Bill Viola, né en 1951 à Flushing (USA) figure parmi les artistes qui,
depuis le début des années soixante-dix jusqu'à aujourd'hui ont
le plus influencé le développement de la vidéo en tant qu'art.
Il obtient,en 1973, un BFA des studios expérimentaux des arts visuels
de l'Université de Syracuse, puis étudie la musique avec le compositeur David
Tudor, dont il deviendra le collaborateur au sein du groupe Composers
Inside Electronic. Il s'intéresse également à la recherche scientifique,
notamment aux phénomènes de la perception, ainsi qu'aux philosophies
orientales comme le bouddhisme. Son œuvre comprend des bandes
vidéo, des installations, ainsi que des environnements sonores.
L'œuvre de Bill Viola s' équilibre entre une parfaite maîtrise des
technologies de l'image et du son, et un propos empreint de
spiritualité et de questionnements sur la condition humaine :
naissance, mort, relation au monde, passages.
Ses travaux ont été montrés dans le monde entier..
«Une des choses que m'a appris la caméra a été de voir le monde –
le même monde que voyaient mes yeux- dans son état métaphorique
et symbolique. Cet état est, de fait, toujours latent dans la réalité
dans laquelle nous sommes ». Bill Viola
« Le véritable lieu ou l’œuvre existe ne se trouve pas sur l’écran ou à
l’intérieur des murs mais dans l’esprit et le cœur de la personne qui l’a vu »
depuis le début des années soixante-dix jusqu'à aujourd'hui ont
le plus influencé le développement de la vidéo en tant qu'art.
Il obtient,en 1973, un BFA des studios expérimentaux des arts visuels
de l'Université de Syracuse, puis étudie la musique avec le compositeur David
Tudor, dont il deviendra le collaborateur au sein du groupe Composers
Inside Electronic. Il s'intéresse également à la recherche scientifique,
notamment aux phénomènes de la perception, ainsi qu'aux philosophies
orientales comme le bouddhisme. Son œuvre comprend des bandes
vidéo, des installations, ainsi que des environnements sonores.
L'œuvre de Bill Viola s' équilibre entre une parfaite maîtrise des
technologies de l'image et du son, et un propos empreint de
spiritualité et de questionnements sur la condition humaine :
naissance, mort, relation au monde, passages.
Ses travaux ont été montrés dans le monde entier..
«Une des choses que m'a appris la caméra a été de voir le monde –
le même monde que voyaient mes yeux- dans son état métaphorique
et symbolique. Cet état est, de fait, toujours latent dans la réalité
dans laquelle nous sommes ». Bill Viola
« Le véritable lieu ou l’œuvre existe ne se trouve pas sur l’écran ou à
l’intérieur des murs mais dans l’esprit et le cœur de la personne qui l’a vu »
Quelques photos de ses vidéos
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Hier soir au Grand Palais, le vernissage de l'exposition
Sur la figuration narrative, renouveau figuratif de la peinture
En France dans les années soixante à la suite des nouveaux réalistes.
Une peinture souvent politique dénonçant les aliénations de la vie
Contemporaine avec Adami, Arroyo, Bertholo, Bertini, Equipo Cronica
Erro, Fahlström, Klasen, Recalcati, Stämpfli, Voss, Peter Saul, Télémaque,
Aillaud, Cueco, Fromanger, Monory, Rancillac, Guyomard...
On reconnait au passage Télémaque, Guyomard, Cueco plus
Le petit monde habituel de la peinture, outre les exposants tous présents
A part Erro que je n'ai pas vu, il y avait Daniel Humair, François Arnal etc.
Puis les collectionneurs, galeries, ministres et autres pontes et huiles.
Chacun sait qu'à un vernissage on ne regarde pas la peinture
Mais les gens, Donc pour voir la peinture rendez vous sur
Les différents sites consacrés à la figuration narrative.
Pour conclure belle rétrospective bien qu'un peu à l'étroit dans cette
Structure intégrée au Grand Palais.
Figuration narrative
Paris 1960/1972
Galeries nationales du Grand Palais 16 avril/13 juillet 2008
Le vulgum pecus fait la queue.
Le pneu de Stämpfli.
Télémaque, Guyomard,
Christine Albanel, Cueco etc.
Vues diverses
Amateurs éclairés ou pas .
Résumé .
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Il n'y a pas que le Paris Roubaix , ou les engueulades de blogs
Voilà un bref résumé de mon voyage .
La fondation Beyeler , magnifique musée crée par Ernst Beyeler à Bâle
Avec les plus grands peintres du XXeme siècle et en particulier, raison entre autre
De mon escapade une exposition sur l'action painting ,
Soit tous mes peintres préférés! de Pollock à De Kooning etc.
Voir lien sur image . Pour ceux qui sont curieux évidemment ...
Nuit dans un hotel vers le Haut Koenigsbourg en Alsace .
Dimanche matin 8 heures à Sainte Marie aux Mines
Célèbre pour ses mines d'argent .Et dont toutes les maisons sont colorées .
Arrêt déjeuner à Dijon pour l'exposition Camille Claudel ,
Qui n'est pas seulement un film , ou l'égérie des féministes
Mais une grande sculptrice émouvante.Lien sur la photo.
Retour au bercail en passant par Vezelay et le Morvan .
Plus de détails les prochains jours.
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Frank Stella est un peintre américain, né le 12 mai 1936 à Malden.
Il est considéré comme un précurseur du minimalisme ainsi qu'un
des principaux représentants de l’Op Art avec Joseph Albers.
Très tôt initié à l’art, et en particulier à l’art abstrait qui domine la scène
artistique dans les années 50, Frank Stella suit des cours d’histoire
de l’art à la Princeton University à partir de 1954, ce qui explique
le caractère réfléchi de sa démarche. Il s’interroge alors sur les techniques
utilisées par les peintres contemporains pour créer leurs effets : les pinceaux
qu’ils choisissent, les toiles laissées en réserve… Mais il est surtout marqué
par le vocabulaire pictural de Jasper Johns, qui lui inspire la célèbre
série des Black Paintings, exposées dès leur création au MoMA de New York.
Ce sont des tableaux composés de bandes peintes en noir,
dont la disposition est déduite du format de la toile, et séparées
entre elles par de minces filets de toile laissée en réserve.
Ainsi, le motif semble être déduit des conditions matérielles
d’exécution de la toile, ce qui constituera la problématique de Stella
pendant quelques années. Cet aspect de son œuvre amènera les artistes
du Minimalisme à le considérer comme l’un des leurs.
À la suite des Black Paintings, il crée les Shaped Canevas,
des peintures déterminées par la forme de leur châssis.
Ces études géométriques débouchent ensuite sur une série d’œuvres
en relief où Stella s’interroge, par delà l’exigence de bidimensionnalité
prônée par la peinture américaine, sur l’illusion de la troisième dimension.
Ainsi, les dernières œuvres de Frank Stella participent autant de
la sculpture que de la peinture.
Il est considéré comme un précurseur du minimalisme ainsi qu'un
des principaux représentants de l’Op Art avec Joseph Albers.
Très tôt initié à l’art, et en particulier à l’art abstrait qui domine la scène
artistique dans les années 50, Frank Stella suit des cours d’histoire
de l’art à la Princeton University à partir de 1954, ce qui explique
le caractère réfléchi de sa démarche. Il s’interroge alors sur les techniques
utilisées par les peintres contemporains pour créer leurs effets : les pinceaux
qu’ils choisissent, les toiles laissées en réserve… Mais il est surtout marqué
par le vocabulaire pictural de Jasper Johns, qui lui inspire la célèbre
série des Black Paintings, exposées dès leur création au MoMA de New York.
Ce sont des tableaux composés de bandes peintes en noir,
dont la disposition est déduite du format de la toile, et séparées
entre elles par de minces filets de toile laissée en réserve.
Ainsi, le motif semble être déduit des conditions matérielles
d’exécution de la toile, ce qui constituera la problématique de Stella
pendant quelques années. Cet aspect de son œuvre amènera les artistes
du Minimalisme à le considérer comme l’un des leurs.
À la suite des Black Paintings, il crée les Shaped Canevas,
des peintures déterminées par la forme de leur châssis.
Ces études géométriques débouchent ensuite sur une série d’œuvres
en relief où Stella s’interroge, par delà l’exigence de bidimensionnalité
prônée par la peinture américaine, sur l’illusion de la troisième dimension.
Ainsi, les dernières œuvres de Frank Stella participent autant de
la sculpture que de la peinture.
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Né en Allemagne en 1904 , il fuit le régime nazi et
adopte la nationalité française. Mort en 1989.
Hans Hartung est attiré dès son adolescence par le graphisme
abstrait et se passionne pour Rembrandt, Holbein et Goya.
Il découvre la peinture française lors d’une exposition à Dresde.
Alors que ses premières peintures sont figuratives, l’utilisation des
couleurs aniline lui inspire ensuite une série d’aquarelles abstraites.
Il séjourne à Paris sur les conseils de son professeur et s’y installe.
Il obtient la nationalité française.
Chef de file de l’Abstraction lyrique de l’après-guerre,
il privilégie le geste spontané, la touche fluide et rapide, et utilise
une gamme chromatique réduite aux contrastes prononcés.
Les stries et autres formes sont obtenues à l’aide d’objets
comme des branches d’arbres. Puis, à partir des années 60, le noir devient
la teinte majeure, agrémentée de grattages et incisions aux couleurs acides.
Le noir envahit la toile. Hans Hartung griffonne, gratte, agit sur la toile.
Le temps, le rythme fait de ralentissements et d’accélérations,
la lenteur par les taches, la vitesse par le pinceau.
L’artiste, qui dans son atelier retourne ses tableaux face au mur, pense
ses œuvres proche de la réalité, une réalité qui provoque l’acte artistique.
“Lorsque j'avais entre huit et douze ans, j'étais passionné d'astronomie.
Je cherchais à dessiner des éclairs.” Hans Hartung
adopte la nationalité française. Mort en 1989.
Hans Hartung est attiré dès son adolescence par le graphisme
abstrait et se passionne pour Rembrandt, Holbein et Goya.
Il découvre la peinture française lors d’une exposition à Dresde.
Alors que ses premières peintures sont figuratives, l’utilisation des
couleurs aniline lui inspire ensuite une série d’aquarelles abstraites.
Il séjourne à Paris sur les conseils de son professeur et s’y installe.
Il obtient la nationalité française.
Chef de file de l’Abstraction lyrique de l’après-guerre,
il privilégie le geste spontané, la touche fluide et rapide, et utilise
une gamme chromatique réduite aux contrastes prononcés.
Les stries et autres formes sont obtenues à l’aide d’objets
comme des branches d’arbres. Puis, à partir des années 60, le noir devient
la teinte majeure, agrémentée de grattages et incisions aux couleurs acides.
Le noir envahit la toile. Hans Hartung griffonne, gratte, agit sur la toile.
Le temps, le rythme fait de ralentissements et d’accélérations,
la lenteur par les taches, la vitesse par le pinceau.
L’artiste, qui dans son atelier retourne ses tableaux face au mur, pense
ses œuvres proche de la réalité, une réalité qui provoque l’acte artistique.
“Lorsque j'avais entre huit et douze ans, j'étais passionné d'astronomie.
Je cherchais à dessiner des éclairs.” Hans Hartung
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Morris LOUIS
1912-1962
Peintre Américain
Morris Louis étudia au Maryland Institute of Arts de Baltimore
Entre 1920 et 1933 et commença à exposer au sein
Du groupe «New Talent» à New York en 1954.
Il fut un des précurseurs du courant de la peinture américaine
Qui se manifesta au début des années 1950 contre l'abstraction lyrique
En donnant la préférence aux formes primaires pour finalement se diriger vers
L'art minimaliste. Il s'agissait pour ces artistes de déterminer
Un art abstrait typiquement américain et de traiter
La perception comme une fin en soi.
Dans cette démarche plutôt ascétique, Morris Louis réduisit ses
Oeuvres à des traînées de couleurs isolées les unes des autres selon des lignes
Plus ou moins parallèles, chacune de ces traînées étant ainsi mise en valeur.
Morris Louis participa à de nombreuses expositions, notamment
Au Solomon R. Guggenheim Museum et au Jewish Museum de New York
Et eut droit à de nombreuses expositions posthumes à Kassel, Paris,
Düsseldorf, Stuttgart, Londres, Zurich, Amsterdam, Los Angeles,
Boston, Seattle ou Saint-Louis.
1912-1962
Peintre Américain
Morris Louis étudia au Maryland Institute of Arts de Baltimore
Entre 1920 et 1933 et commença à exposer au sein
Du groupe «New Talent» à New York en 1954.
Il fut un des précurseurs du courant de la peinture américaine
Qui se manifesta au début des années 1950 contre l'abstraction lyrique
En donnant la préférence aux formes primaires pour finalement se diriger vers
L'art minimaliste. Il s'agissait pour ces artistes de déterminer
Un art abstrait typiquement américain et de traiter
La perception comme une fin en soi.
Dans cette démarche plutôt ascétique, Morris Louis réduisit ses
Oeuvres à des traînées de couleurs isolées les unes des autres selon des lignes
Plus ou moins parallèles, chacune de ces traînées étant ainsi mise en valeur.
Morris Louis participa à de nombreuses expositions, notamment
Au Solomon R. Guggenheim Museum et au Jewish Museum de New York
Et eut droit à de nombreuses expositions posthumes à Kassel, Paris,
Düsseldorf, Stuttgart, Londres, Zurich, Amsterdam, Los Angeles,
Boston, Seattle ou Saint-Louis.
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Deux vues du même endroit , il y a quelques differences me direz vous ,
Et je vous repondrait que si il n'y en avait pas ça n'aurait pas d'interêt .
.
Et je vous repondrait que si il n'y en avait pas ça n'aurait pas d'interêt .
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Quelques croquis sur la plage de Gatseau ,difficile de trouver
Des modèles involontaires non frileux hier après midi!
Les gens ne veulent plus travailler gratuitement !
C'est la faute aux syndicats.
.
Des modèles involontaires non frileux hier après midi!
Les gens ne veulent plus travailler gratuitement !
C'est la faute aux syndicats.
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Pour en voir d'autres cliquez sur l'image
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par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Comme à chaque fois que je vais quelque part ,le soleil arrive dans l'heure qui suit ,
J'ai passé l'après midi sur la plage de Ouistreham à bronzer et à croquer quelques
Contemporains et autres canins.
.
J'ai passé l'après midi sur la plage de Ouistreham à bronzer et à croquer quelques
Contemporains et autres canins.
.
par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
J’ai été voir une exposition d’Olivier Debré au Musée d’Orléans .
Évidemment pas un chat pour un peintre qui n’a
Jamais eu la consécration qu’il méritait !
Trop peintre peut être dans une époque ou seuls les falsificateurs
Et les zappeurs d’images tiennent le haut du pavé !
Comme Rebeyrolle, Pincemin et d’autres
La « vraie » peinture dérange comme le corps dérange !
Olivier Debré est né en avril 1920. Il est considéré comme
Un des représentants majeurs de l’abstraction, au même titre que
Hartung, Poliakov, Soulages et de Staël.
Il commence à peindre dès son plus jeune âge et pratique
Aussi bien le dessin que la gravure, l’art monumental et l’architecture.
Mais c’est la peinture qui a la place de choix, impressionniste
d’abord, expressionniste ensuite (Signes Personnages).
Une période abstraite dite subjective lui succède entre 1943 et 1960.
À partir de 1960 il trouve sa voie originale avec « l’abstraction fervente’ .
La matière est fluide et transparente et étalée en larges champs
Monochromes qui saturent la toile. Les œuvres de grand
Format font leur apparition à partir de 1965
« Je me défends d’être un paysagiste. Je traduis l’émotion
Qui est en moi devant le paysage…
Ce n’est pas ma volonté qui intervient mais l’émotion qui me domine.
Je ne suis sincère que dans le choc, l’élan. »
Olivier Debré, peintre sensible de la « spatialité pensante »,
Est mort à 79 ans en juin 1999.
(France Culture)
Musée des beaux-arts - Orléans
Dates : du 24 Janvier 2008 au 11 Mai 2008
.
Évidemment pas un chat pour un peintre qui n’a
Jamais eu la consécration qu’il méritait !
Trop peintre peut être dans une époque ou seuls les falsificateurs
Et les zappeurs d’images tiennent le haut du pavé !
Comme Rebeyrolle, Pincemin et d’autres
La « vraie » peinture dérange comme le corps dérange !
Olivier Debré est né en avril 1920. Il est considéré comme
Un des représentants majeurs de l’abstraction, au même titre que
Hartung, Poliakov, Soulages et de Staël.
Il commence à peindre dès son plus jeune âge et pratique
Aussi bien le dessin que la gravure, l’art monumental et l’architecture.
Mais c’est la peinture qui a la place de choix, impressionniste
d’abord, expressionniste ensuite (Signes Personnages).
Une période abstraite dite subjective lui succède entre 1943 et 1960.
À partir de 1960 il trouve sa voie originale avec « l’abstraction fervente’ .
La matière est fluide et transparente et étalée en larges champs
Monochromes qui saturent la toile. Les œuvres de grand
Format font leur apparition à partir de 1965
« Je me défends d’être un paysagiste. Je traduis l’émotion
Qui est en moi devant le paysage…
Ce n’est pas ma volonté qui intervient mais l’émotion qui me domine.
Je ne suis sincère que dans le choc, l’élan. »
Olivier Debré, peintre sensible de la « spatialité pensante »,
Est mort à 79 ans en juin 1999.
(France Culture)
Musée des beaux-arts - Orléans
Dates : du 24 Janvier 2008 au 11 Mai 2008
.
par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
Au lieu de parler sans arrêt de "la première dame de France ", parlons plutôt
D’Yves Tanguy, qui s'est sûrement inspiré de ces galets vers Barnenez
( il a habité Plestin les Grèves à 10 km de là ) dans la baie de Morlaix
Et ou Hergé trouva l'idée de l'Ile Noire.
.
par philippe charpentier
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Histoires de Peinture et plus
.
par pc
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Histoires de Peinture et plus
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par pc
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Frank Gehry né en 1929.
Elevé dans une famille juive d’origine polonaise, le jeune Ephraim Owen Goldberg
est très influencé par son père travaillant dans le secteur de la construction
et sa mère mélomane, En 1947, il quitte le Canada, s’exile en Californie et décide
de prendre le nom de Frank Gehry. Après avoir travaillé comme chauffeur routier,
il étudie l’architecture à l’université de Los Angeles et l’urbanisme à la
Harvard Graduate School of Design. Il se forme dans différents cabinets de renom
(tels que celui d’André Remondet à Paris), puis ouvre sa propre agence en 1962.
Ses premières réalisations sont, pour la plupart, implantées en Californie ;
il s’agit d’immeubles aux formes ouvertes comme la Spiller Residence (1971, Venice),
sa propre maison facilement identifiable grâce à une façade composite en tôle ondulée,
grillage (1978, Santa Monica), un ensemble de petits bâtiments colorés et indépendants
de l’Université de droit Loyola (1981, Los Angeles)…
A partir de la seconde moitié des années 1980, Frank Gehry entame une carrière internationale.
Au Japon, il bâtit, par exemple, le restaurant Fishdance à Kobe (1987).
En Europe, il conçoit un toit en arc tendu et aux formes cassées pour un cabinet juridique viennois,
un bâtiment aux formes très angulaires pour le Cinéma Ufa-Palast à Dresde (Allemagne)…
Sa réalisation la plus emblématique est, sans nul doute, le Guggenheim Museum de Bilbao (1997).
Loin d’être neutre, l'édifice est composé d'une série de volumes interconnectés ;
certains de forme octogonale et revêtus de pierre calcaire d’Espagne,
d’autres courbés, tordus et recouverts d'une peau en titane d’un demi millimètre d’épaisseur,
donnant une allure d’écailles de poisson. L’ensemble est ponctué de nombreuses parois
en verre traité (celui-ci permet de protéger les salles de la chaleur et des radiations tout en restant
parfaitement transparent). L’intérieur est organisé autour d’un vaste atrium,
haut de cinquante-cinq mètres, distribuant les visiteurs dans dix-neuf galeries.
De proportions et d’allures très variées, celles-ci sont accessibles sur trois niveaux par
les tours d’escaliers, des passerelles curvilignes suspendues au plafond, des ascenseurs vitrés.
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par PC
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INTERIEUR / EXTERIEUR
.
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UN VOYAGE EXPRESS
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